Patti Scialfa
Play it as it lays
COLUMBIA/SONY BMG
A sus 53 años, Patti Scialfa parece estar de vuelta de todo. También de su ya conocida carta de presentación. Porque ser “señora de” no debe llevarse nada bien, ni debe ser fácil de hacer olvidar o callar cuando el marido en cuestión es el músico más mediático del planeta. Pero Patti Scialfa, “aka Mrs. Springsteen”, hace como si pasara y, para quien quiera escucharla sin prejuicios, dice todo en Play it as it lays, el tercer álbum de su cuenta personal y el mejor, sin duda, hasta la fecha.
Producido por su colaborador habitual, Steve Jordan, (Keith Richards, John Mayer, Jon Spencer) y Ron Aniello (Lifehouse, Guster), Play it as it lays presenta a una mujer de mediana edad que explora su propio mundo en lo humano y en lo artístico, siempre bajo el tono de un R&B suave acorde a su perspectiva musical favorita. Como sus compañeras de quinta Emmylou Harris o Mary Gauthier, Scialfa se adentra en sus dudas y certezas, dotándose ella misma de un carácter reconocible en cada canción y contando con la ayuda de esplendidos colaboradores como Nils Lofgren, miembros de la Seeger Sessions Band y el mismo Springsteen.
El tema que da título al disco está sacado del nombre de una de las novelas preferidas de la cantante, escrita por Joan Didion. Es un folk bañado de soul que habla de la superación cotidiana cuando las cosas vienen mal dadas. Sin embargo, la mayoría de las composiciones se centran en las relaciones de pareja. Mejor es “Like any woman would”, que al parecer fue una de sus primeras “demos” con 19 años cuando existía una influencia directa de Atlantic Records. No hay que olvidar que la cantante antes de caer en las redes de Springsteen colaboró con los Rolling Stones, Southside Johhny y David Johansen, todos ellos con ese sentido negroide de interpretación blanca. Es más, Scialfa reconoce que se inspira en mujeres del calibre de Aretha Franklin, lo que inevitablemente le queda muy lejos, pero en su gusto por los ritmos negros clásicos se acerca al aspecto dulce del género. Así, también lo intenta con soltura en “Rainy day man”, escrita en la ducha y grabada como un experimento que dio resultado.
Bastante distinto es, sin embargo, “Looking for Elvis”, homenaje claro al rey del rock y a ese símbolo desaparecido que, según la cantante, tanto representa de los Estados Unidos. La pieza recuerda a algunos temas del Lucky town de su marido. Como también hay alguna deuda al Springsteen perdido de los noventa natural del cuarto disco de Tracks, en el corte “Play around”. Y bien sean toques soul o más rockeros, en todo momento, certificando por ella misma que es una artista con personalidad, que, tras dedicarse a sus tres hijos, ha sabido encontrarse para que nadie le quite lo que es suyo.
FERNANDO NAVARRO.
Father Mackenzie
Primeros auxilios
GAS-OIL RECORDS
El “pater” Mackenzie prepara sermones de nuevo. El ex Lagartija Nick Jesús Requena se ha reencarnado en este personaje de la beatleliana “Eleanor Rigby” para dar forma a su nuevo y personal proyecto musical. Primeros auxilios es una notable declaración de intenciones pop en castellano, que no cierra la puerta al rock de la mano de unas guitarras que no le hacen ascos al punk ni a los sonidos guitarreros más enérgicos. “Es una mentirosa”, “Primeros auxilos” o “Un mal día” son una muestra que la solvencia instrumental de Father Mackenzie, contrariamente a lo que se podría pensar, va ligada a unas letras de una extrema sensibilidad, hilvanadas con melancolía, tristeza, temor y una pequeña ración de desesperanza. Mención aparte merece la versión de “Eleanor Rigby”, en la que Father Mackenzie se rebela contra el tema original, le da la vuelta y consigue una atmósfera más asfixiante gracias a la severidad sonora de las guitarras de Jesús Requena y Manuel Guirado.
ÁLEX ORÓ.
Ryan Adams
Easy tiger
LOST HIGHWAY
La cantidad de discos redondos que Ryan Adams hubiera podido editar con sólo haber sido algo más ducho en el arte del tijeretazo. Es más, el día que alguien se decida a editar una suerte de Best of…, posiblemente consiga dar forma a su trabajo más completo, una antología de cuidado. Es lo que tiene ser tan prolífico y a la vez tan autosuficiente: se ve la paja en el ojo ajeno y no la viga en el propio, y se acaba dando una de cal y otra de arena, tan sólo contentando a los más acérrimos y haciendo arquear las cejas al resto de los mortales ante cada nuevo lanzamiento. El eterno “enfant terrible” del alt country ha jugado a encarnar distintos roles a lo largo de su carrera, ha reñido con discográficas, ha dado conciertos notables y otros sencillamente inasumibles, pero nunca ha alcanzado el grado de brillantez de sus dos primeros álbumes, a principios de década. Y este álbum puede que sea lo más cerca que ha estado en mucho tiempo: una notable colección de canciones, en compañía de nuevo de los Cardinals (con Neal Casal entre ellos) que va desde el arrullo roots de “Goodnight Rose” o “Pearls on a string” hasta la caricia acústica de “I taught myself how to grow old”, pasando por las extraordinarias “Oh my God, whatever, etc.”, “The sun also sets”, “Off Broadway” y “Rip off”, cuatro temas que merecen ubicarse desde ya entre lo mejor de su discografía. Mucho más centrado que de costumbre.
CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA.
Georgie James
Places
SADDLE CREEK EUROPE/EVERLASTING
Places es el primer larga duración de Georgie James, un dúo afincado en Washington y compuesto por John Davis, quien fuera batería de Q And Not U, y la cantante Laura Burhenn. La pareja se estrena con una colección de doce canciones propias bien surtida de pop-rock del que transmite optimismo, euforia, aun sin saber de qué trata cada canción, reparando sólo en su ágil desarrollo instrumental y en las armonías vocales, en un tratamiento vocal en el que prima la melodía. Hay aromas “sixties”, temas rimbombantes que no caen en la hueca pomposidad, en “Need your needs” subyace cierto poso funk, y prevalece la prístina intensidad. Para facilitar el trabajo a la canallesca, los editores señalan su pasión por The Kinks, Linda Thompson, The Jam, Simon & Garfunfel y los Flamin’ Groovies de Shake some action, y a servidor no le parece que a la hora de aportar referencias esos nombres conduzcan irremediablemente a equívoco. Su pasión por los sonidos pop facturados hace tres y cuatro décadas es evidente, y el resultado de su traslación al siglo XXI, óptima y apetecible.
IGOR CUBILLO.
Steve Earle
Washington Square serenade
NEW WEST/DOCK
Steve Earle había sido uno de los grandes fichajes de la discográfica estadounidense New West, que se mueve con acierto y calidad en los patrones de la música americana de raíces. Razón por la que su primer disco en estudio para el sello ha sido muy esperado. Aparte, desde hace un tiempo, el músico natural de Virgina pero hijo adoptivo de Nashville se ha mudado a Nueva York, a empaparse de su legendario pasado folk, viviendo en plena Greenwich Village Street, donde años atrás un joven Bob Dylan y la que sería su novia Suze Rotolo fueron inmortalizados para la portada de la generación folk en The freewheelin’ Bob Dylan (1962). Unas cosas y otras han creado grandes, y tal vez demasiadas, expectativas en torno a Washington Square serenade, el último trabajo de Steve Earle, que lleva el empeño del cantante pero al que le faltan grandes canciones.
Casi se puede decir que es la historia de su vida. Siempre se ha movido en un mundo de sombras y luces. No ha conseguido quitarse aún esa fastidiosa etiqueta de segunda fila, mientras mordiendo el polvo y rasgando con fiereza la guitarra ha sobrevivido durante años como un “songwriter” independiente, genuino. Ahora, en Washington Square serenade, Earle rompe aún con más cosas que antes. Por primera vez, utiliza la tecnología de las herramientas de audio digital ProTools, como en “Down here below”, o graba en los famosos estudios Electric Ladyland, donde Jimi Hendrix trazó muchas de sus descargas eléctricas avanzadas. Algo anecdótico si no fuera porque el cantante todavía arrastra la larga estela de Nashville, la pintoresca capital del country donde el puritanismo se ciñe tanto a las barras y estrellas de una bandera como a la eliminación total de cualquier cosa fuera del sujeto, verbo y predicado. Pero Earle, con su nervio rock, ya era un lobo estepario en ese mundo de cazadores. Además, da por cerrado algunos capítulos de su propio pasado, reinterpretando en el primer corte del álbum “Tennessee blues”, pieza de su disco de debut Guitar town, que ahora toca en acústico y añade versos que no miran atrás y se identifican con su nueva vida en Nueva York.
Ciertamente, como Dylan, este puntal del country rock americano ha perseguido en Nueva York su musa, para crear un álbum, como asegura él, bastante personal, donde se citan medios tiempos sobre las relaciones en pareja tan buenos como “Come home to me” o “Day’s aren’t long enough”, la mejor del disco y pensada para tocar a dúo con su esposa, la cantante Allison Moorer. Esta introspección deja huérfano el trasfondo político que ha marcado sus últimos trabajos y que en éste puede encontrarse en “City of inmigrants”, un tema que celebra la diversidad de Nueva York y su vida de tantas gentes y culturas a través de la colaboración del grupo brasileño Forro in the Dark. El álbum lo cierra “Way down in the hole”, una versión de Tom Waits que no aporta nada.
Sin ser un disco del montón, Washington Square serenade tampoco adquiere la categoría de obra maestra, y deja otra vez a Earle merodeando por su propio camino, que sigue sin cruzarse definitivamente con el de los grandes, pero le reafirma en lo que es: una figura en extinción, esa clase de héroe que no tiene nada que ganar.
FERNANDO NAVARRO.
Dark Smile
Ups and downs
BON VIVANT
Dark Smile es el seudónimo de un polifacético músico madrileño que, por ahora, prefiere mantenerse en el anonimato. Ni familia ni amigos saben nada de sus secretas actividades sónicas. Puede que sea un tipo tímido, puede que sea una persona insegura, que no sepa valorar el poder de sus composiciones o que, simplemente, sólo pretenda dar un halo de misterio a Ups and downs, su primer disco. En cualquier caso, éste es un debut realmente prometedor. Aunque esconde su personalidad, Dark Smile enseña sus cartas musicales desde el primer momento. Sus dos principales influencias son Sexy Sadie (muy, muy evidentes en todo el CD) y David Bowie, sin desdeñar pinceladas de Echo and The Bunnymen y otras lumbreras del pop de los últimos 30 años. La gran habilidad de Dark Smile es su capacidad de hacer melodías redondas y empáticas (“Humble pie”, “Lullaby of war”, “Private Jet” o “Whole day sleeping”) o entrañables (“Feelings”). Todas ellas son composiciones bien estructuradas, con un estilo muy definido y un brillante sonido. Son quince piezas de un perfecto puzzle pop, en el que todo encaja y nada sobra.
ÀLEX ORÓ.
Art Brut
It’s a bit complicated
EMI-VIRGIN
La ironía es un fino instrumento para despuntar sobre el siempre incómodo término medio. Bien lo sabe Eddie Argos, agudo letrista capaz de tejer directas historias postadolescentes plenas de sarcasmo típicamente británico, con las que –junto a esa dicción tan a lo Mark E. Smith, de The Fall– descollar por encima del sobrealimentado pelotón “brit” de las dos últimas temporadas. Así lo hizo en Bang bang rock’n’roll, su debut de hace un par de años, y la jugada anda camino de perfeccionarse aún más con este It’s a bit complicated, que parece destinado a gozar de un impacto mucho menos opaco que el de aquel bullicioso predecesor. Por lo demás, los ingredientes siguen siendo más o menos los mismos. Riffs de guitarra contagiosos, coros enérgicos, melodías de impacto inmediato y un amenazante espíritu de batalla, de banda de rompe y rasga, que entronca con el legado de los propios The Fall o Television Personalities. Todo esto, tal y como está el patio, equivale a decir que no aportan por sí mismos novedades de gran fuste. Con todo, no por ello dejan de resultar más atractivos que otros compañeros de generación con mayor tirón entre los medios. Una secuela de lo más jugosa y disfrutable.
CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA.
Richmond Fontaine
Thirteen cities
UNION/EL CORTEZ
Hoy en día, pocas bandas como Richmond Fontaine pueden deberse tanto y tan bien a ese particular microcosmos norteamericano donde un perdedor, una carretera sin rumbo y el sabor añejo de un trago de whisky en la solitaria habitación de un motel son las motivaciones fundamentales para inspirar un disco. Porque pocas bandas como Richmond Fontaine son capaces de captar con tanto acierto ese espíritu desolador y bello en historias de no más de cuatro minutos. El último ejemplo es Thirteen cities, el más reciente trabajo de un grupo que vuelve a demostrar su calidad, y especialmente la de su álter ego, Willy Vlautin.
Bien es cierto que los magnéticos Post to wire y The Fitzgerald marcaron un listón muy alto, pero la banda de Oregon aún sabe perderse en los sinuosas soledades del alma. Esta vez con catorce pistas, no todas igual de poderosas y que oscilan entre un horizonte rock (“4 Walls”) y la balada sombría (“I feel into painting houses in Phoenix, Arizona”), combinando asimismo las percusiones rítmicas de Post to wire y el preciosista mundo lóbrego de The Fitzgerald. Siempre con la atención puesta en sus personajes, que caminan como extraños en el paraíso, protagonistas de cuentos espeluznantes o hermanos de los mismos que formaron The ghost of Tom Joam, aquella austeridad folk de Bruce Springsteen sobre los tristes e irreparables destinos de los perdedores del sueño americano. Historias que nacen del pulso creativo de Vlautin que acaba de escribir su primer libro “The motel life”, el cual novela muchas de las complejidades humanas y desastres individuales que forman su cancionero, también en este Thirteen cities, hasta el punto de incluir una spoken song titulada “The disappearance of Ray Norton”.
Las conexiones musicales además engrandecen el propósito. El álbum cuenta con la colaboración al piano de Howe Gelb, del grupo Giant Sand, en “$87 and a guilty conscience that gets worse the longer I go”, una de las pistas del disco más excitantes junto con “Moving back home #2” o la zozobra country de “Capsized”. También se dejan caer miembros de Calexico para dotar a algunas canciones de un sonido más fronterizo, o elegante, como en la fabulosa trompeta de Jacob Valenzuela en “The Kid from Belmont Street”. Un piano canalizando el cierre, “Lost in this World”, resume a modo de final de cuento el patetismo digno que se respira en todo Thirteen cities.
FERNANDO NAVARRO.
Ringo Starr
Photograph. The very best of Ringo
CAPITOL/EMI
Nos es fácil que la gente se tome en serio la carrera en solitario de un músico cuando éste viene de integrar las filas de una banda de éxito; si se trata de los Beatles y el músico en cuestión es Ringo Starr, la cosa está todavía más complicada. Aun siendo el menos “brillante” del cuarteto, tampoco es justo tratar al baterista como habitualmente suele hacerse. La firma de Richard Starkey acompaña a un puñado de canciones bastante resultonas que, en su característica voz nasal, deparan una agradable audición.
La compilación que ahora presenta Capitol resultará especialmente útil para todos los que quieran tener en un solo disco lo mejor del músico de Liverpool, al mismo tiempo que servirá a los más fieles para tener reunidos sus pasajes más curiosos. Y es que por los veinte cortes de este compacto se pasean una lista de músicos-estrella que incluye desde los inexcusables ex Beatles Lennon, McCartney y Harrison a Billy Preston, Stephen Stills, Elton John, Peter Frampton, Dr. John o Eric Clapton, entre otros. La selección, que abarca temas publicados entre 1970 y 2005, ofrece desde el gran éxito de Ringo, “It don’t come easy”, a pequeñas joyas como “You’re sixteen” y “Never without you” o las aplaudidos “Weight of the World” y “Fading in and fading out”. El conjunto se completa con un DVD que ofrece seis viedeoclips y metraje promocional.
JAVIER MÁRQUEZ SÁNCHEZ.
The Tao of Groove
The Tao of Groove presents Cuba remixed
GROOVY GRAVY/ DIAL
The Tao of Groove es el alias de Roy Shakked, un atentísimo DJ de Los Ángeles, que en 2002 sorprendió al circuito más elegante del dance con aquel Fresh goods que combinaba sabiamente elementos del soul, el blues, el jazz, el funk y el latin (ver EFE EME 55) en inteligente jam session. Ahora se ha centrado en el universo cubano, de cuya riqueza es fiel consignatario al no repudiar ni uno solo de los sonidos que se han escuchado en la isla en los últimos 90 años. A veces firmando como intérprete y/o remezclador (hay nuevas lecturas de la célebre “Mulatica mía” y “Cha cha cha 57”), a veces ejerciendo de inteligente compilador, el caso es que Shakked es viejo zorro y sabe siempre lo que hace. Sin sustos: éste no es uno de esos trabajos en los que se ven zarandeados nuestros prejuicios frente a los consabidos y artificiales “DJ session albums”. Lejos de eso, Shakked transfiere naturalidad y unidad a tan heterodoxo caudal y respeta siempre la canción (hay jugosas reivindicaciones de Luis Santí o el Trío Taicuba, o de la unión entre Tito Puente y Woody Herman). Sabe que no puede aportar mucho más desde el punto de vista rítmico (no acelera los tempos, apenas hay caja, bombo y palmas en algunos añadidos “ad hoc”), pero sí desde el punto de vista de la reverberación y los bajos. Y se cuelan instrumentos que no por no ser tan familiares a nuestro concepto sobre la música cubana (el violonchelo, el Moog), han dejado de pertenecer a la realidad isleña (hasta Irakere usaba el Moog). Impagable ese “Qué linda es mi Habana” de Velia Martínez, transformado en un cóctel “loungy” tan apto para solteros de la era especial como cualquiera de las aportaciones de la serie Ultra-lounge. No es fácil dar con una simbiosis tan perfecta entre Cuba y la pista de baile como la aquí presentada. El gringo ha cumplido.
GERNOT DUDDA.
Bee Gees
Greatest
RHINO/WARNER
Los Bee Gees nacieron musicalmente en 1963 y ya en 1964 grabaron su primer álbum, pero no fue hasta 1977 cuando, a pesar de haber tenido ya varios números uno, se convirtieron en fenómeno a escala mundial, destinadas sus voces imposibles a perdurar como banda sonora de ese final de década. El vehículo, claro, fue aquella loa al horterismo titulada Fiebre del sábado noche. Después de esa película los hermanos Gibbs siguieron cantando juntos y por separado, pero nada volvió a ser lo mismo. Para conmemorar los 30 años de aquel fenómeno, Rhino ha decidido recuperar Greatest, una antología rescatada de 1979 a la que ha añadido las rarezas de rigor. En total ofrece una veintena de cortes originales entre los que no faltan los imprescindibles “Night fever”, “Stayin alive” y “How deep is your love”. Entre las rarezas, un tema inédito y una versión extendida de “Stayin alive”. Aunque lo que más enganchará a muchos serán las versiones remezcladas de cuatro temas que prometen volver a poner a los Bee Gees en las pistas de baile, si es que alguna vez se fueron.
JAVIER MÁRQUEZ SÁNCHEZ.
