CD DE LA SEMANA: «Playing the piano + Out of noise», de Ryuichi Sakamoto.
«No hay forma de darle ocasión a quienes piensen que Sakamoto sigue dándole vueltas una y otra vez a su mismo repertorio. El Sakamoto de 2009 es claramente experimental y está en ‘Out of noise’, que a pesar de tan difícil contenido para un no iniciado no cabe duda se trata de un innegable hito sonoro»
Ryuichi Sakamoto
«Playing the piano + Out of noise»
DECCA/UNIVERSAL
Una confesión sorprendente: El ganador de un Oscar por la música de «El último emperador» reconoce su incapacidad para extraer estilo propio de la fusión de la música experimental con el impresionismo melódico, realmente los dos ejes en los que se ha movido su carrera desde finales de los años 70. ¿Por eso aquí los presenta por separado? Sí, lo cierto es que esta última publicación hay que entenderla necesariamente de forma gemela, es decir también con «Out of noise», el experimental álbum extra, disponible con la versión «deluxe». Sin este equilibrante «ying» y «yang», la aportación queda coja, incompleta.
«Playing the piano» ofrece la grabación en directo de sus mejores obras –grandes melodías, cabría decir–, al piano. Aséptica (sin aplausos, sin ningún tipo de emoción popular), pero de una categoría magistral. Una selección que abarca mucho y muy bueno, lo mejor de sí: su aportación musical para películas como «Merry Christmas Mr. Lawrence», «The sheltering sky» o «El último emperador»; o piezas extraídas de sus viejas grabaciones, cuya variedad de fuentes alcanza un equilibrio mágico merced a su sensibilidad y personalidad pianística: ‘Amore’ (de su álbum «Beauty»), ‘Tamago 2004’, ‘A flower is not a flower’, ‘Tibetan dance’ (de «Illustrated musical encyclopedia»), ‘Riot in Lagos’ o ‘Thousand knives’, un clásico referencial de sus primeros tiempos, que también pasó en su momento por el turmix de la Yellow Magic Orchestra.
Pero no hay forma de darle ocasión a quienes piensen que Sakamoto sigue dándole vueltas una y otra vez a su mismo repertorio. El Sakamoto de 2009 es claramente experimental y está en «Out of noise», que a pesar de tan difícil contenido para un no iniciado no cabe duda se trata de un innegable hito sonoro. Lo que pasa es que en estos tiempos de penuria comercial, nadie hubiera reparado en él si no lo hubiera ofrecido como «bonus disc» (lo que sin duda hubiera sido una maniobra suicida). En él explora sobre el binomio «sonido-ruido» para crear piezas todas ellas muy diferentes entre sí, que retan las leyes del minimalismo repetitivo, con una personalidad absolutamente garantizada. Como el «kado», el arreglo floral japonés: basta con depositar en una vasija sonidos (o ruidos) de su agrado para ver cómo crecen por sí solos.
Lo de la mencionada «fusión» no debería ser un problema para él: en los conciertos que está a punto de dar por España, viene con dos pianos y la idea de tocar cosas de ambos trabajos. Uno de los pianos, «preparado» para ejecutar el «playback», con un proceso muy similar al de las viejas «frippertronics» de Fripp & Eno.
Hay que verlo (y escucharlo), sin duda: en el Festival de Otoño de Madrid (11 de Noviembre), en el ciclo Sons da diversidade de Santiago de Compostela (13 de Noviembre), en el Festival Temporada Alta de Girona (15 de Noviembre), en la Kursaal de San Sebastián (17 de Noviembre), en el Festival de Jazz de Cartagena (19 de Noviembre) o en el Nuevo Teatro Infanta Leonor de Jaén (20 de Noviembre).
GERNOT DUDDA.
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Adani & Wolf
«Supersteam»
UNITED RECORDINGS
Un disco que se articula en torno al chill out, jazz, electrónica y funk que no resulta excesivamente tedioso. Buen fundamento para darle una oportunidad, aunque no se trate de un artefacto destinado al consumo individual. Y es que es difícil aceptar el uso de según qué tipo de electrónica para la intimidad auditiva del oyente.
El dúo holandés Adani & Wolf vuelve acercándose a los sonidos lounge, a texturas bien planteadas, a sonoridades en las que exprimen sus cualidades como músicos pero que no van más allá de un ambiente concreto: La fiesta. No, no estamos ante unos Chemical Brothers capaces de entretener igual en una pista de baile que en un salón. Aquí el objetivo está claro, se trata de poner una banda sonora de clase a las mejores reuniones sociales. Concretamente llevan un paso más allá la propuesta lounge, dándole un cariz más contundente y maníaco, perfectamente rematado para ambientar el sonido de los cubatas chocando con el hielo. Aunque sin público el disco se asemeja más a una Coca-cola sin gas que a otra cosa.
JUANJO ORDÁS.
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The Leisure Society
«The Sleeper»
FULL TIME HOBBY
Últimamente, los grupos independientes ingleses andan buscando referentes debajo de las piedras. Agotada la nueva ola o los sonidos urbanos y crudos, se enfrentan a su folclore pop con convicción y estilo, más o menos como han hecho los norteamericanos con el country. Pero, ¿cuál es la música de la tierra para los ingleses?, pues más o menos la que despuntó en la frontera entre los 60 y los 70, ¿recuerdan? Marc Bolan antes de ser glam, la Incredible String Band, algo del sonido Canterbury… ¡Qué lejos queda todo eso!
Por si no lo recuerdan se mezclaba ahí un tono preciosista de campiña inglesa, armonías medievales, mundos imaginarios. Pues eso es lo que recoge Nick Hemming en «The Sleeper,» una obra sublime y producto de estar depurándose en grupos desde principios de los noventa. Sin embargo, el mundo que evoca bajo esas fantasías bucólicas es la crudeza de una ruptura sentimental, con lo cual las palabras pintan de oscuro una música que es inmensamente luminosa.
¿A qué nos recuerda con estas influencias? Pues muy lejanamente y sin pretender que las similitudes sean más que tangenciales, harían bien en comprarlo los devotos de los Simon & Garfunkel más acústicos y dulces, ‘Give yourself a fighting chance’ y ‘Come to your senses’, una delicia esa voz que se rompe; o los que se emocionan cuando Neil Young se pone rural (díganme a qué les suena el inicio de The Last); o los que entienden que ‘I will’ es una de las preciosidades ocultas de los Beatles, porque éstos esbozarán una sonrisa de palmo con ‘Love’s enormous wings’.
Pero todo esto y además su tono artúrico y su cuidada melancolía y su armonía cósmica no dejarían de construir un disco muy digno, si no existiera la canción que lo hace excepcional: ‘Save it for someone who cares’, deudora de todas las virtudes anteriores y con unas briznas de luminosidad que van del sunshine pop a los Beach Boys. Una canción y un disco que tienen la misma medida de la belleza.
CÉSAR PRIETO.
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Muy Fellini
«Muy Fellini»
B-Core
Poco a poco, crece la lista de músicos que abandonan el inglés como lengua vehicular de sus canciones para pasarse, temporal o definitivamente al castellano. Uno de los últimos ha sido Edu Ugarte, de Half Foot Outside, una banda de pop guitarrero. Ugarte y el cantante de Sök, Juan Maraví, han formado Muy Fellini, un dúo de folk rock/pop, en la línea de artistas como The New Raemon, Brian Hunt, Pigmy…
Los textos de las canciones de este disco de debut no están totalmente pulidos. Tienen astillas y requiebros que los hacen encantadoramente imperfectos. Temas como ‘Mentalidades europeas’, ‘La decepción’ o ‘Un nuevo amanecer’ tienen puntos de inteligencia, de ingenio, de astucia y de sensibilidad en sus letras. El envoltorio musical es cálido y acogedor y las voces de Ugarte y Maraví suenan completamente acopladas. El sonido es impoluto, gracias a que el dúo ha sabido rodearse de personajes como Hans Kruger, Kenneth Isaac y Brian Hunt para la grabación, las mezclas y la pasterización, respectivamente.
Muy Fellini tendrán la oportunidad de demostrar la valía de su propuesta en una apretadas gira por España con Ken Stringfellow. La cosa promete.
ÀLEX ORÓ.
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Japandroids
«Post-nothing »
POLYVINYL RECORDS
Más indie que Japandroids no se puede sonar. Comienza ‘The boys are leaving town’ y parece que nos encontramos a principios de los años 90, con todo el movimiento independiente en plena esfervescencia. El dúo toma al asalto el sonido noise rock de Sonic Youth y juegan con él hasta la saciedad, generando una sónica sucia un tanto inflada, y es que parece que en lugar de una banda de dos los que tocan son múltiples instrumentistas saturando el sonido.
Y no suenan mal, de hecho interesarán bastante a los seguidores de los citados Sonic Youth o a los fanáticos de The Pixies gracias al empuje adolescente de cada una de las canciones que componen este «Post-nothing». Pese a ello, su sonido es plano, mucha energía pero poca profundidad. Sin ánimos trascendentales se trata de un trabajo entretenido y asimilable, un enérgico muestrario de ruidosas canciones.
JUANJO ORDÁS.
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Rupa & The April Fishes
«Este mundo»
CUMBANCHA/KARONTE
Segundo trabajo del grupo que le ha puesto un poco de sal cosmopolita y arrabalera a la larga tradición musical del Bay Area de San Francisco. De alguna manera encarnan a aquellos viejos «hippies» (en la foto promocional posan descalzos), que ahora cantan mariachis y se dejan bigotito a lo «garçon». «Este mundo» –con un deliberado título en español– ahonda en la rebujina ya presentada en su día de sonidos planetarios, cuyo resultado final queda bien homologado por una propia Rupa Marya que canta alternativamente en inglés, francés y español, con un trilingüismo casi perfecto.
Hay una clara actitud de pop alternativo, claro que sí, sólo que manejada con «gipsy swing», cumbias colombianas, chanson francesa y algo de ragas indios (curiosamente ahora con menos «klezmer»). Como la fiesta tiene esta vez color mayoritariamente latino, las mejores recomendaciones apuntan hacia los temas «más sabrosos», como ‘L’elephant’ o ‘Soledad’ (este último incluso participado de rabiosos ritmos norteafricanos). Pero por dentro, en las letras, no todo es tan festivo como sugiere la fórmula de tal mestizaje. El leit motiv del álbum es el carnaval de la vida, el desfile de los muertos. Y en él hay «sonidos y canciones que reflejan la belleza accidental de la vida con sus oleadas de alegría –recuerda la propia Rupa–, pero también de su inexorable compañero: el sufrimiento humano».
Y ella sabe de lo que habla: todavía compagina su actividad musical con la de doctora de urgencias en un hospital de San Francisco. Sí, suena tan triste como «Anatomía de grey».
GERNOT DUDDA.
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Rammstein
«Liebe ist fu ralle da»
UNIVERSAL
Provocadores y más o menos trangresores, los alemanes Rammstein se han labrado una carrera que despierta tanto odio como amor. Buena señal. La propuesta con la que se dieron a conocer en 1995 era una combinación de marciales guitarrazos con teclados y baterías que no habrían desencajado con el tecno de su tierra, una mezcolanza que supieron hacer evolucionar hasta su actual sonido.
Es innegable que el sexteto rompió barreras, y no solo lingüísticas: Abrió los oídos de toda una generación que desconfiaba de los teclados y de los ritmos enlatados mientras propugnaba un regreso al rock de estadio, con sus explosiones y efectismos. Eso sí, todo mientras crecían y trabajaban los circuitos de las pequeñas y medianas salas.
«Liebe ist fur alle da» («El amor es para todos») recurre a la provocación de siempre, mediante un muy buen single pensado para ser censurado, historias tremebundas y ese sentido del humor tan particular del que llevan años haciendo gala. Por ello, el disco llegará a sus seguidores sin problemas pero no captará nuevos adeptos. Con todo, es necesario situarlo como un trabajo demoledor, perfectamente construido en el que pueden llegar a sonar a Depeche Mode o incluso a U2, aunque con ese ímpetu tan militar suyo.
Si el año pasado el premio al mejor disco de metal fue para Metallica por «Death magnetic», este año los agraciados son Rammstein con este «Liebe ist fur alle da». En lo suyo no tienen rivales.
JUANJO ORDÁS.
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